認知轉化中的文化場館
文化場館的設置與經營，並不是件簡單的事務，也不是具備一點基本的藝術認知就好，而是要認知近代場館的設置，其經營與管理早已經隨著時代的演變，進入專業又新穎的里程碑，我們若從歷史發展的軌跡來探討，將會發現一條清晰的脈絡過程。
早期文化場館的建構
從前民眾只在廣場聚眾舉辦演出活動，後來才開始興建劇場，在西方以希臘跟羅馬為主，希臘劇場順著山形地勢，羅馬則以封閉性的半圓形劇場為主，採取東西座向，所以在下午或黃昏的演出,自然的陽光可以照亮演員，但不會直射到觀眾的眼睛。
利用自然光的概念一直沿用數千年，早期英國開始發展現代戲劇時，劇場大都還是沒有屋頂的形式，一直到劇場搬進室內後，才發生結構性的改變。劇場遷移至室內的好處是擺脫氣候的挑戰,但是人造光(室內照明)的需求,就轉換成舞台技術發展的新課題，於是”燭光”的運用在歐洲蓬勃發展，劇場技術也開始盛行。
室內劇場發展的範例
英國皇家德鲁里街劇院(The Theatre Royal,
Drury Lane)，位於倫敦西岸劇場科芬花園區(CoventGarden)，興建於1663年，是至今仍然在使用的古老劇場，開館後的兩百年間，更是倫敦引領風騷的指標戲院，由於查理二世皇帝，見證到風靡義大利盛行的劇場，於是親頒手諭核准建造這座具備優美吊燈(chandeliers)，可以集中照亮舞台前緣(forestage)的華麗劇院。
當時的劇場還是依賴裝置在吊燈及燈具上的蠟燭作為主要的光源，室內劇場的演出形式立刻改變了觀賞的作息與行為，但在演出中也會造成一些小困擾，因為蠟燭經常需要修剪蠋芯，演出時滴落的熱蠟油，常常會掉落在演員或觀眾的身上，同時懸掛的吊燈也會阻擋部分觀眾的視線。
卓寧霍姆宮劇院The Drottningholm Palace Theatre
斯德哥爾蒙的卓寧霍姆宮劇院完成於十八世紀初，是一座維持很好的劇場， 由瑞典建築師尼可戴蒙泰辛Nicodemus Tessin父子聯手完成，自1665年起造1754開館，是歐洲至今還在使用原始機械設施的場館。
這座劇院的舞台設施完美，據說是由義大利多納多史托帕尼(Donato Stopani)設計，舞台深度27 x57英尺(8.2x17.4公尺)，所有機械操作都是以木造絞盤配合手工牽引拉繩，創造活動升降平台(chariot-and-pole system)，讓舞台可以在六秒瞬間升空下降，上下變化的多重布景幕，不但可以提供多達四幕場景的變化，還可以製造水岸波濤洶湧，煙火到處瀰漫，雷電交加，天神下降(deus ex machina)，凡是劇場內需要執行特殊的效果，都難不倒這座完美的設施。
這座劇院的興建，受限於經費的籌措，先以厚實的巴洛克再移轉到高雅的法式風格，劇院於1762年毀於大火後，四年後再度整建開館，至於舞台上的燈光則依演出需求，調整金屬燈具上的燭光以便靠近或偏離舞台。這座劇場歷經數個世紀的更迭，見證並保留完整的發展過程，如今除了具備正常演出與博物館的展示功能外，還是訓練巴洛克風格的音樂家、舞者、歌劇演唱的基地。
工業革命帶來劇場的演變
十六到十八世紀的劇場，在經營與管理方面還是較為單純，即便像是操控需求複雜的卓寧霍姆宮劇院，都還是以手工操作為主。一直到第一次工業革命（Industrial Revolution），改良蒸汽機發展後，科技革命將生產轉向新的製造過程，以機器取代人力、獸力的趨勢盛行，以大規模的工廠生產取代個體手工工場，用焦炭代替木炭降低鋼鐵成本。鑄鐵吹塑氣缸首先在1760年使用。鋼鐵業的進步，為技術革新生產的各種新機器提供了必要的原材料，劇場設備跟著大幅提升。
英國化學家韓弗理·大衛爵士(Humphry Davy)在1801年將鉑絲通電發光，發明第一個碳弧燈。經過科學家持續的努力後，愛迪生在1880年申請到電燈發明的專利，因而在商業上成功的流行起來。
近代劇場在燈光設備突飛猛進，不但可以將迴路(circuit)連結到調光器(Dimmer)的使用，燈光的色彩與亮度，上場時間的設定，群組設定等，都可輕易操縱在燈光控制台( lighting control console)，更新式的智慧型設備，則可以隨意移動位置，自動變化焦距、色彩、更換遮光片(gobo patterns)、噴霧特效等，此外還可連結其他硬體的介面，例如跟聲控台、投影幕、媒體資源分享、自動控制馬達等等的同步成效。
劇場隨著時代的演變，設備的建設與更新需要大量資金挹注，後台需要各類具備專長的技術人員進行維管，前台需要服務人力的支援，節目製作與規畫需要專責人員，劇場更負有公共安全的責任，劇場早已不再是開門就可營業的行業，劇場無法廉價，劇場也無法獨立存活。
現代劇場國內外案例
林肯中心（Lincoln Center），全名為林肯表演藝術中心（Lincoln Center for the
Performing Arts），是位於美國紐約市佔地
61,000 m² 的綜合藝術表演中心，建於1960年，當年耗資1億6千8百萬美元，是美國境內第一個將主要的文藝機構集中於一地的表演中心，也是全世界最大的藝術會場，同時可以容納18,000位觀眾。除了主建築外，林肯中心的設施也不斷地向外擴充。從2006年8月起至2009年，為建造新的人行步道以改善園區內的親和力與美感林肯中心發起第65大街重新發展計劃。
中心的三大目標一是提供世界級藝術家發表的場域,二是提供美國藝術跟教育相關指標領導者的演出場所，三是成功經營這個藝術園區的使命。所以這裡總共有12個表演團體以此為駐紮地，每年有超過五百萬人次造訪紀錄。除例行藝術演出外，中心還接受私人或企業的贊助，並且提供企業舉辦公關活動、影片發表會、餐會、免費上網、折扣票促銷活動等。
這個設置超過55年的林肯中心，早就擺脫單一藝術場館的概念，內外到處都是文化表演相關的場所，不但是一個複合型經營的文化場所，更是生活休閒與文化觀光重要的景點，所以日夜進出人潮量大，經濟動能豐富，不但間接增加場館經費收益，也達到擴大教育與推廣的功能。
德國漢堡易北愛樂音樂廳(The Elbphilharmonie Hamburg )
這座建築於歷史價值的漢堡碼頭紅磚倉庫之上的現代玻璃建築體被稱為「玻璃皇冠」，落成後立刻成為漢堡新地標與舉世矚目的焦點，此廳雖於2007年開工，但預定2010年完成的工程卻延宕至2016年才完工，並於今年一月盛大開館，預算也由7700萬歐元追加至7億8900萬歐元，廳內除了設有3間分別容納2100、500、150位聽眾的音樂演奏廳，也提供北德廣播交響樂團常駐演出。
這棟大樓翻轉過去劇場建築蓋在地面樓層的概念，不但將音樂廳直接設在中間頂部，另外還借用周邊景觀的優勢，在大樓內設有一家視野良好的五星級飯店和45間私人公寓，不但活化舊有空間，並帶來新的都市生命與活力，增加多功能的用途，也提高其他收入的來源。
期待台灣各大廳院的轉化
台北的兩廳院步入三十年，台中歌劇院剛開館，高雄衛武營還在興建中，這些場館先後天各自擁有優劣勢，如果場館營運的經費完全要靠政府來支持，或絕大部分都要依賴補助，台灣俗語”多子餓死爸”，那麼公部門的資金早晚會彈盡援絕,簡單來說，一個場館若需要五億來經營，一年演出三百場，一場一千個觀眾，平均成本一人約一千七百元，票價是否能忠實反映成本?所以妥善利用跟開創資源就很重要。
舉例來說，台北的兩廳院設有節目暨行銷部、演出技術部、公共溝通部（負責國會聯絡、贊助圓夢、教育推廣）、業務發展部（場地外租、票務、顧客資料管理分析CRM)、 顧客體驗部（前台服務、圖資、出版）、工務暨安全部、財務暨資訊部、管理行政部。這些需要的必備人力不少，相對的若沒有利用場館地利優勢，進行園區開發與多角化經營,那麼薪資耗損、人力衰退、設備老化、藝術場館早晚會變成半停滯待退的養老院。
台中歌劇院先天單一場館的困境本來就很多，規劃或製作邀請藝術演出，不但需要龐大的經費來源，特別在人力運用不管是外包還是專責內聘，基本上的需求是少不掉的，而經常性維修只會越來越加劇，活化場館的使用當然是一條正確的通路。那些不明究理的衛道者，口袋內一年究竟能擠出多少奶水來挹注劇院龐大的管銷?
至於拖拖拉拉的高雄衛武營文化中心，何時開幕仍然未知，但場館與園區規模顯然較為龐大，未來在經費，在演出，在營運，在觀眾的養成都會是一大挑戰,我認為場館間的活化使用才會是一步好棋。
新任命的行政法人朱宗慶董事長，滿腦子都是靈活創意與無窮的生命力，期待在朱董事長的帶領下，借重觀摩國外成功案例，可以為台灣的藝文生態注入活水，為劇場的經營與管理帶來生機。
The Theatre Royal, Drury Lane (From Wikipedia)
The Drottningholm Palace Theatre (From Wikipedia)
LaVie The Guardian、Elbphilharmonie
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